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En el recién terminado Diseño para Empathy Summitsociólogos y líderes de museos se reunieron para discutir cómo los museos pueden construir empatía contribuir al desarrollo de la comprensión y a la formación del significado.

A pesar de la larga historia de estudio de la experiencia del arte, los investigadores aún tienen que capturar y comprender los aspectos más significativos de dicha experiencia, incluidos los pensamientos e ideas que obtenemos cuando visitamos un museo, la sensación de encuentro después de ver una obra de arte significativa, o el cambio de pensamiento tras una experiencia artística. Estos poderosos encuentros pueden ser inspiradores, edificantes y conducentes al bienestar y la prosperidad.

La teoría del cognitivismo estético describe el valor del arte a través de su papel en la promoción de una mejor comprensión de nosotros mismos, la condición humana, moral y espiritual conceptos. La pregunta es cómo sucede esto: ¿cuáles son los atributos de una experiencia significativa del arte?

Según el modelo del arte del espejo desarrollado por Pablo P. L. Tinio, la percepción estética corresponde a la creatividad artística de manera especular. Los artistas buscan expresar ideas y mensajes sobre la condición humana o el mundo en general. Para hacer esto, exploran ideas clave y las expanden, adaptan y ajustan constantemente a medida que se desarrolla el trabajo, lo que da como resultado la acumulación de capas de material, desde la investigación inicial y los bocetos hasta la pieza final y refinada.

La interacción inicial del espectador con la obra de arte comienza donde la dejó el artista. Su interacción involucra principalmente las características de la superficie terminada, como el color, la textura y los toques finales que el artista aplica en las etapas finales del proceso creativo. Después de pasar más tiempo con la obra, el espectador comienza a comprender y acceder a las ideas del artista.

La reflexión de artistas y espectadores se produce tanto en los aspectos emocionales como cognitivos del arte. Tinio y Andreas Gartus compararon las características emocionales del arte y la experiencia emocional del arte por parte de los espectadores. Reclutaron visitantes para el Museo Whitney de Arte Estadounidense que asistieron a exhibiciones de colecciones permanentes o a una exhibición especial temporal. Estas dos exhibiciones fueron elegidas por su tono emocional claramente diferente. Si bien la colección permanente se puede describir mejor como formal y seria, la exhibición especial incluyó obras interactivas y lúdicas de Cory Arcangel.

Se pidió a los visitantes que indicaran qué emociones evoca el arte. En primer lugar, se les preguntó por los sentimientos generales que les evoca cada exposición en su conjunto. Como predijo el modelo del espejo de arte, hubo una correspondencia entre las emociones de los visitantes y las características emocionales de las exhibiciones: la exhibición de la colección permanente suscitó interés y compromiso, y la exhibición especial evocó entretenimiento y la risa.

También se preguntó a los visitantes sobre los sentimientos evocados por las obras de arte individuales. Y nuevamente hubo una correspondencia entre los sentimientos de los visitantes y los atributos emocionales del arte. Por ejemplo, los visitantes dijeron que sintieron añoranza, nostalgia y alivio al ver una película de Georgia O’Keefe. Pasos a la lunaque muestra una escalera doméstica de madera colgada en un cielo turquesa sobre un fondo de montañas oscuras.

El artista describió la sensación del cuadro en los mismos términos que los visitantes que lo vieron 60 años después. Un contenido emocional completamente diferente se refleja en la pintura de A. A. Bronson Félix partes, que retrata al amigo y colega del artista tres horas después de su muerte por sida. Los espectadores reconocieron la tristeza, la desesperación y la compasión que evocaba la imagen.

El modelo del espejo del arte también describe la correspondencia de los procesos de comprensión y pensamiento entre la creación del arte y su apreciación. Los espectadores a menudo describen cómo obtienen una comprensión de sí mismos o del mundo y obtienen nuevas ideas y perspectivas después de involucrarse con el arte. En su serie Migración, Jacob Lawrence se dispuso a contar la historia olvidada de más de un millón de afroamericanos del sur rural que se mudaron al norte industrial. Y los espectadores obtienen una nueva perspectiva de la historia, viendo la Gran Migración como una parte integral de la historia estadounidense.

Finalmente, hacer arte y ver arte están relacionados pensamiento creativo. La investigación de mi laboratorio en Yale muestra que un programa educativo que utiliza actividades de apreciación del arte, como la observación continua, la reflexión y el cambio de perspectiva, desarrolla habilidades de pensamiento creativo. Por ejemplo, en una actividad, se les pide a las personas que miren una obra de arte desde diferentes puntos de vista: de cerca o de lejos, imaginándose como niños, o caminando mentalmente dentro y alrededor de la obra. Tales actividades utilizan directamente los resultados de la investigación.

Los estudios han demostrado que cuanto más tiempo pasan los visitantes interactuando con el arte y más reflexionan sobre él, más responden a las intenciones e ideas de los artistas. De hecho, los participantes informaron que después del curso fueron más capaces de “extrapolar el arte a la vida personal”, describiendo la realización de que “asociar problemas del mundo real con posibles soluciones muestra utilidad”. [art] tiene”, y agradeció la oportunidad de “mejorar las habilidades personales en las que normalmente no trabaja”.

Cuando examinamos los resultados del programa de apreciación del arte, los resultados mostraron que los participantes tenían un pensamiento más original en comparación con aquellos que no participaron en el programa. La forma en que evaluamos el pensamiento creativo no estaba relacionada con el arte, lo que hizo que la prueba fuera rigurosa porque las personas tenían que aplicar habilidades de un contexto (relacionarse con el arte en un museo) a otro (hacer preguntas sobre situaciones hipotéticas).

Por ejemplo, les pedimos a las personas que propongan ideas creativas para usar objetos cotidianos comunes (p. ej., botones) y que repitan problemas cotidianos de diferentes maneras (p. ej., “Estás trabajando en un proyecto con un grupo y una persona no lo está haciendo”. cualquier trabajo”, repetido varias veces, comenzando con “¿Cómo puedo…”). Es importante destacar que cuando evaluamos a las personas varios meses después, las habilidades de pensamiento creativo persistieron.

La correspondencia en sentir y pensar implica la transferencia – entre el creador y el espectador – de las ideas, conceptos y emociones contenidas en las obras de arte. El arte tiene el potencial de comunicarse a través del espacio y el tiempo y crear conexiones e ideas que de otro modo no ocurrirían. Esto requiere una interacción activa con el arte en contextos que faciliten esta interacción, especialmente en los museos.



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